"Mas peraí, se era você no telefone e você no ônibus..."

Vivo?

Too Drunk To Fuck

But in my room/wish you were dead/You bawl like the baby in Eraserhead

Menção honrosa ao clássico de David Lynch no clássico dos Dead Kennedys. Mostrando que a influência cinematográfica no punk não se resume a zumbis, assassinatos brutais e putas intergaláticas que comem cérebros.

Correlacionando "Too Drunk To Fuck" com o cinema trash, vale lembrar que uma versão ligeiramente mais cool dessa música foi usada no filme Planeta Terror, do Robert Rodriguez. O cover é autoria do grupo francês Nouvelle Vague, cujo som não tem nada de punk, mas que se popularizou fazendo covers melódicos e groovados de bandas como Buzzcocks, Blondie, ou no caso os próprios Dead Kennedys.

No Planeta Terror, a música é usada como tema de fundo para uma go-go dancer com uma perna de pau fazer uma dança erótica enquanto chora e um Quentin Tarantino mutante aponta uma arma pra cabeça dela e diz coisas indecentes.

A Jukebox de Tarantino - Goes to show you never can tell

Provavelmente a cena mais marcante de todo o cinema americano dos anos 90.

O uso da música do mestre Chuck Berry evidencia o gosto de Tarantino pelo rockabilly, além da temática e estilo dos anos 50 de um modo bem geral. Nessa cena em particular, Mia e Vincent vão jantar num restaurante temático justamente nesse estilo, com direito até a um Steve Buscemi vestido de Buddy Holly como garçom.

A dança, porém, com certeza chama mais atenção que a música. É engraçado pensar que só essa cena inspirou uma geração inteira de maus-dançarinos. Hoje em dia, todo mundo que não sabe dançar dança exatamente assim. Quem, com seus trinta ou quarenta anos na cara, numa pista de dança de casamento, de festa de debutante ou de Bar-Mitzvá, nunca dançou um twist que nem esse do Vicent? Ou essa mashed potatoe no melhor estilo Elvis/Forrest Gump? Que mulher que cai na pista depois da quinta dose nunca fez esses monkeys da Mia, se descabelando toda? E que atire a primeira pedra o casal que só na hora de dançar em público foi que se tocou que não sabia fazer isso, e ficou só indo e vindo na watusi que nem o casalzinho Pulp Fiction.

Essa cena tem lá sua importância no enredo do filme. Ao longo desse segmento, vemos o quanto Mia faz questão de mostrar o seu lado sedutor, e o quanto ela se diverte vendo Vincent pisando em ovos quando tenta resistir às indiretas que ele claramente adora, ao mesmo tempo que tenta manter a pose de durão, de "all-business", de "eu só te trouxe aqui pra jantar". A questão é que Vincent conhece a reputação de Marsellus Wallace pelo menos desde o início do filme, quando Jules menciona que o patrão mandou jogar um cara de um prédio e através de uma vidraça depois que ele fez uma massagem nos pés da sua querida esposa Mia. Quando ele contrata Vincent para tomar conta da mulher enquanto ele viaja, fica uma certa desconfiança no ar.

Dá para aprender bastante sobre a química entre o casalzinho Pulp Fiction quando estudamos os movimentos deles na dança e colocamos ela no contexto. Quem tira o outro para dançar é ela, que segundos antes foi no banheiro dar um teco. A dança começa como uma brincadeira, meio monótona e sem sal. Mia começa a avançar na direção de Vincent, balançando os quadris, e ele tenta não se alterar. Nessa parte vale prestar atenção nos olhares; Vincent tenta desviar a visão dos olhos dela, mas não consegue parar de prestar atenção no corpo. Já Mia percebe isso e começa a dançar de forma mais sensual, com gestos mais lânguidos, e acima de tudo lançando olhares penetrantes. Depois disso ela avança nele com a sua técnia milenar da watusi fatal, certamente aprendida na Academia de Dança do Mestre Pai Mei, e ele tenta encarar ela sem se deixar seduzir. A partir daí os dois começam a dançar os mesmos passos, mas notamos que Mia dança com bem mais entusiasmo. Uma boa pista disso é o cabelo; Mia assanhando seu chanelzinho icônico, enquanto o rabo-de-cavalo de Vincent não se desfaz em um único fio. A cena esquenta mesmo na parte do pianinho, quando Mia começa a dançar de forma ainda mais sensual, e consegue até instigar Vincent a arriscar umas avançadas que nem as dela.

Talvez seja por isso que essa cena é tão importante para o filme. Só nesses passos de dança nós aprendemos mais sobre o pseudo-romance desses dois personagens do que qualquer diálogo longo e clichê cheio de o "Oh Vicent" e "Oh Mia". Durante essa dança eles não falam uma única palavra, mas têm um diálogo riquíssimo. Pouco antes dessa cena, Mia comenta com Vincent o quão romântico e afetivo o silêncio pode ser.

Tarantino não é considerado por tantos um mestre do diálogo cinematográfico só pelas suas frases de efeito ou pela naturalidade das conversas casuais entre os personagens. Ele mostra sua habilidade nesse ramo da dramaturgia quando cria uma química entre um personagem e outro sem utilizar um único som com exceção da música de fundo. Tanto no cinema quanto na vida real, existe muito diálogo entre duas pessoas que não falam nada.

Aos leitores mais classudos, aqui vai um detalhe interessante: Quem inspirou essa cena foi ninguém menos que Jean-Luc Godard. O filme Bande à part foi uma grande inspiração para Tarantino, que até tirou desse título o nome da sua companhia cinematográfica (A Band Apart). Nesse clássico um tanto obscuro da nouvelle vague, vemos a concepção própria que Godard tem de uma cena de dança:

O jeito que Godard descreve, da forma mais metalinguística possível, os sentimentos dos personagens enquanto eles dançam nada mais é do que uma versão um tanto mais conceitual (pra não dizer avacalhada) do que Tarantino faz na sua própria sequência. Engraçado que enquanto ele dá todo esse enfoque à música, Godard faz questão de interromper grosseiramente o fundo musical para fazer suas observações sobre o que se passa na cabeça dos personagens.

Enfim, mas deixando de lado por um minuto toda essa simbologia da dança, não dá para negar que é engraçado comparar esse Travolta de Pulp Fiction com aquele garotão cheio de swing do velho Os Embalos de Sábado À Noite e concluir que os dois são a mesma pessoa.

Duvido que Quentin não tenha considerado encaixar no filme uma cena de dança antológica com Travolta, no qual ele e Uma arrasam na pista com passos de dança frenéticos e swingados. Mas por outro lado ele foi esperto de ter escolhido só aquele twistzinho cheio de insinuações românticas. Nem todos os passos de disco, funk, swing, tango, charleston, rumba, lambada, madison, samba e sei-lá-que-outra-porra juntos vão ser tão épicos quanto a dancinha do Pulp Fiction.

Girl Grit

Acabei de ver esse trailer do novo filme dos irmãozinhos prodígios Joel e Ethan, Bravura Indômita.

Os fãs do bom e velho western americano vão reconhecer esse título na certa. True Grit foi um dos grandes sucessos do velho de guerra John Wayne, lançado em 69, cujo elenco também contava com o músico country Glen Champbell e os ainda girinos Robert Duvall e Dennis Hopper. O personagem de Johnny, Rooster Cogburn, virou um de suas encarnações mais marcantes no cinema.

Dessa vez contamos com Jeff Bridges no papel principal, o que soa bem, dado o currículo do ator. Além de ser um velho amigo e colaborador dos irmãos co-diretores, Jeff já teve seus momentos de durão e beberrão ao longo da carreira. Cogburn foi um personagem marcante tanto na carreira de John Wayne quanto no cinema americano. Destacou-se justamente por ter sido um dos primeiros herois de western hollywoodiano a adotar o arquétipo do anti-heroi durão e pinguço. Um sujeito violento mas honesto, imoral mas justo. Hoje em dia esse é o personagem que mais se vê em filmes de ação, quadrinhos e video games, mas naquela época isso ainda era raro de se ver. Talvez o Cogburn do filme dos Coen não tenha o mesmo impacto no público da sua época como o das antigas teve, mas não há dúvidas que um bom personagem nas mãos de um bom ator sempre rende. Agora, teria Jeff Bridges o mesmo grit de Johnny para encarnar esse papel? Veremos, veremos...

Um detalhe que chama à atenção em Bravura Indômita é que Cogburn não é exatamente o personagem principal. A história é na realidade protagonizada por uma menina chamada Mattie Ross, que é quem põe toda a narrativa nos trilhos. A aventura começa depois que seu pai é assassinado e ela decide partir atrás do assassino, buscando a ajuda do nosso Rooster Cogburn e eventualmente contando também com o Texas ranger La Boeuf na esperança de vingar a morte do finado pai, seja por lei ou por chumbo. O que mais nos chama à atenção na personagem de Mattie é que ela é tão impulsiva, ousada e destemida quanto os próprios pistoleiros que a acompanham.

Enquanto o Cogburn do filme de 69 representou um novo conceito em heroi, a Mattie Ross interpretada por Kim Darby marcou mais pela estética do que pela persona. A atriz encarnou a figura jovem e andrógena de uma menina de cabelos curtos, roupas de homem e chapéu de cowboy. Como se não bastasse sua personalidade ousada e estupidamente valente, Mattie também tinha um visual perfeitamente masculino. A personagem do livro, da mesma forma que a nova Mattie do filme dos Coen, é uma menina de aparência bastante convencional, com suas trancinhas de garotinha de fazenda e tudo. A ideia de transformar Mattie numa figura masculina é exclusiva do filme de 69.

Isso é um bom sinal. Além do filme ajudar a popularizar a imagem do justiceiro imoral através de Cogburn, ele também colaborou na popularização da personagem "tomboy"; uma menina dotada de colhões (metafóricos) e que mesmo assim não abre mão do seu lado feminino. Da mesma forma que hoje é comum vermos personagens de moral duvidosa à la Cogburn protagonizando as histórias, também não é nada fora do convencional vermos mulheres de todas as idades que se encaixam perfeitamente nesse arquétipo que Mattie representa, tanto na ficção quanto na realidade. O que é mais curioso é que isso não era comum nem na época que o filme saiu e muito menos na época em que a história se dá. Terem concebido Mattie da forma que fizeram não foi nada menos ousado do que a concepção de Cogburn, talvez até bem mais. A personagem acabou representando um ponto na história no qual as mulheres passaram a provar que não deviam nada aos homens em caráter de coragem e bravura, fosse no velho oeste ou nos anos 60. Johnny se garante, mas Mattie Ross também tem todo o grit que ela precisa.

Infelizmente o fato dela se parecer com o Justin Bieber tira a credibilidade de tudo isso que eu acabei de falar.

A Jukebox de Tarantino - Per un pugno di surf music

A guitarrinha de Dick Dale virou um dos ícones da música do cinema depois de Pulp Fiction. Considerado o pai do surf rock, Dale se consagrou nos seus riffs de guitarra frenéticos e cheios de swing, inspirados tanto em arranjos de rockabilly clássico quanto na sua influência musical árabe, criando assim um novo conceito em rock n' roll. Surgia assim um som dançante, swingado e cheio de adrenalina. Através desse novo som, Dick Dale, junto a artistas como os Beach Boys e os Surfaris, criou nesse início dos anos 60 a cultura californiana dos surf rockers; jovens bronzeados e topetudos carregando suas pranchas no banco de trás dos Cadillacs conversíveis e cruzando as praias ensolaradas com suas lindas namoradinhas de biquíni de bolinha. Hoje em dia a cultura do surf se assemelha bem mais à do reggae, quando se trata de música, mas o surf rock foi o primeiro hino dessa geração dos surfistas rebeldes.

Tarantino particularmente não é fã dessa cultura. Com uma certa razão, ele afirma que é um universo um tanto quanto fútil e vaidoso, de rapazinhos topetudos metidos a galãs rebeldes á moda James Dean e meninhas frescas querendo se exibir em bíquinis, que na época eram o cúmulo da perversão feminina. 

O espírito da coisa era mais ou menos esse.

Então, de onde vem a influência da surf music na obra de Quentin? É bem simples, na verdade. Quem conhece bem os filmes do diretor pode perceber a influência forte que ele tem do gênero do "western". Os aficcionados já são mais específicos nessa identificação; trata-se do gênero do "spaghetti western", popularizado nos anos 60 pelo diretor italiano Sergio Leone. Um dos aspectos marcantes desse sub-gênero do cinema é, naturalmente, a música. O grande maestro italiano Ennio Morricone, colaborador frequente de Leone e autor das mais marcantes trilhas do gênero do faroeste, caracterizou não só todo um estilo musical, mas também todo um estilo cinematográfico com sua música.

A relação da música do maestro italiano com a surf music talvez seja inexistente na temática, mas na sonoridade existe sim uma semelhança. Afinal, em que se relacionam os temas musicais dos pistoleiros cavalgando deserto adentro e dos surfistinhas topetudos? A essência dos dois estilos vem da guitarra. O violão espanhol presente nas músicas de Morricone é bastante similar à guitarra elétrica das baladas de surf rock. As notas agudas, o levada lenta e o clima leviano porém pesado são características em comum entre esses dois gêneros. Isso se aplica tanto à comparação das baladas mais melódicas quanto à das mais animadas: Em caráter de freneticidade e técnica, o flamenco de um Paco De Lucia não fica devendo absolutamente nada ao rock n' roll de um Dick Dale da vida.

Claro, a semelhança é bem mais fácil de se notar quando você mesmo ouve. Aqui vão duas músicas cuja comparação fica ao seu critério: "Guitar Nocturne", de Morricone, da trilha sonora do clássico do Western italiano A Morte Anda a Cavalo; e "Surf Rider", dos Lively Ones, tema de encerramento de Pulp Fiction.

Não tem como negar a semelhança das duas músicas. Ambas têm um clima tanto leviano quanto pesado, tanto tranquilo quanto intenso. Ilustram a melancolia e a determinação do sujeito que encara a imensidão pela qual vaga; um diante da imensidão do deserto, o outro diante da imensidão do mar, ambos sobre o mesmo sol escaldante. As duas acompanham o ritmo lento e determinado do galope do pistoleiro e dos passos descalços do surfista, ambos sobre a areia quente. O movimento tranquilo e fluente das ondas da praia e das areias das dunas à mercê do vento. O frescor da brisa do mar e do vento do deserto.

Tarantino viu essa semelhança e incorporou o surf rock como a "balada do pistoleiro" do universo de Pulp Fiction. Se passando na ensolarada Califórnia, a própria história acabou se situando dentro do universo da música. Vale a pena tentar re-imaginar Pulp Fiction como um western tradicional partindo apenas da música... Se você não viu o filme e não quer estragar o final, NÃO VEJA O VÍDEO A SEGUIR. Agora, para vocês que já viram, experimentem assistir a cena com essa música do Morricone na cabeça: Visualizem Vincent e Jules como dois pistoleiros recém-escapados de um "stand-off" com um casal de bandoleiros mexicanos num saloon em pleno deserto texano, levantando-se e lentamente seguindo porta afora em direção à ensolarada terra-de-ninguém que é a América... 

Fuga do Rio de Janeiro

Em tempos de guerra civil carioca, vale a pena relembrar o clássico do diretor John Carpenter, Fuga de Nova York. Nesse épico de ficção científica distópica/pós-apocalíptica, vemos uma Nova York dos então futuros anos 90 completamente à mercê do caos e da violência urbana. Devido ao crescimento alarmante da criminalidade, a cidade acaba sendo tomada por traficantes, assassinos e calhordas em geral, o que leva os cidadãos de bem a serem evacuados do território novaiorquino pelo governo americano. Literalmente deixada aos vermes, a carcaça de Nova York vira uma espécie de prisão; a ilha de Manhattan é isolada e sitiada por policiais, impedindo que qualquer um saia com vida. A bandidagem fica enjaulada, mas lá dentro eles têm controle total do território.

A merda se instaura quando o avião do presidente é abatido por terroristas e cai em Manhattan. Mais por azar do que por sorte, o presidente sobrevive. O grande lance é que Mr. President carrega consigo uma fita com dados importantes relacionados a um programa de pesquisa de fusão atômica com informações vitais para os governos dos Estados Unidos, China e União Soviética (VAI, anos 70!). Ao descobrirem que ele foi sequestrado e mantido refém pelo pica do crime novaiorquino, o "Duque de Nova York", só resta à polícia recorrer a um homem: Snake Plissken. Um anti-heroi fodão e sem nada a perder, enviado numa missão de resgate a um presidente de um país que o renegou. Começa aí uma violenta jornada ao coração das trevas americano.

O filme na realidade saiu no início dos 80, mas é baseado numa realidade já longínqua de uma Nova York dos anos 70 extremamente caótica e violenta. A cidade chegava a ser exótica de tão marginalizada; assaltos envolvendo assassinatos brutais eram mais comuns do que deveriam ser, gangues de rua ditavam as regras, narcotráfico era comércio, estuprar mulheres era um esporte de cavalheiros, e andar na rua ou no metrô de noite era puro suicídio. Essa Nova York suja e medonha é o mesmo universo de filmes como Taxi Driver ou The Warriors: Os Selvagens da Noite. John Carpenter criou um universo no qual esse caos urbano novaiorquino se extrapolava além de qualquer limite, e assim surgiu Fuga de Nova York.

Eu me pergunto se uma versão brasileira desse filme não iria engatar. Vejamos: O Rio vira uma prisão a céu aberto depois que os traficantes e milicianos alastram sua área de influência até a zona sul. Policias sendo fuzilados em praça pública, trocas de tiro constantes, batalhões de vinte ou trinta, todos fortemente armados, depredando as lojas e incendiando os carros. Tocado o terror, o Rio agora é deles. Evacuação de cidade? Essa é ótima. Suburbano e favelado tem mais é que se fuder, quem tiver dinheiro escapa sem problema, então tá resolvido. Feito isso, a PM começa a implantar UPPs não mais na porta dos morros, mas sim ao redor da cidade: Via Dutra, Região dos Lagos, Niterói, tudo sob ocupação constante da PM com um auxiliozinho básico do exército brasileiro. Volta e meia rola uma troca de tiros, mas o Brasil vai levando.

Eis que em sua viagem para São Paulo para assistir o jogo do Corinthians, o presidente sofre um atentado de radicais de direita e seu avião cai em plena zona sul do Rio. A PM então descobre que ele foi resgatado/sequestrado pelos criminosos e agora é mantido refém pelo maquiavélico "Rei do Rio". E agora? Como resgatar o presidente a tempo dele ver a final do Timão? Só resta à urubuzada recorrer à ajuda improvável e politicamente incorreta de Snake Nascimento, um ex-oficial do BOPE de uma longa linhagem de picas-grossas da fodeção do crime organizado, condenado injustamente (ou nem tanto) e agora escalado como a única esperança da mãe pátria que o abandonou.

"Wanna fuck me? Kiss me."

Até que renderia uma boa neo-chanchada trash, com uns tiroteiozinhos maneiros aqui e ali e um argumento social enfiado ali no meio de um forma meio sutil. Bota o Seu Jorge pra fazer o "Rei" e o elenco já tá de bom cabimento. Infelizmente, se esse filme fosse feito hoje ele serviria mais para entreter do que alertar quanto às consequências do que o Rio faz com ele mesmo, o que já é mais ou menos o caso de toda obra de cunho social que sai no Brasil hoje em dia. O mais triste, fora o fato de na vida real a merda continuar indo de encontro às hélices, é que esse filme nunca vai ser feito. A gente vai ter que se contentar com o que passa na Globo ou nos filmes do Padilha, e volta e meia abrir os olhos para o que de fato acontece, mas só para variar um pouco.